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彩色摄影,摄影故事

十月 12th, 2019  |  摄影专区

William Eggleston
1939年出生在田纳西州的孟菲斯。对美国熟悉的人都知道:美国的东南部是比较保守和封闭的。他在出生之后没多久,家里就搬到了密西西比州的Sumner。他在那里度过了自己的童年和少年时代。他的父亲是一个工程师,转行做棉农做失败了。母亲则是当地一位法官的女儿。从小时候开始,Eggleston就是个内向的小孩:喜欢弹钢琴、视觉艺术和无线电。不过他上的高中则是个简直像斯巴达社会的地方:崇尚体育,把艺术和文学视为“娘娘腔”。当然,Eggleston在那里过得并不高兴。Eggleston之后去了三所大学,分别学习了1年,一个学期和五年,主要都是学艺术,不过都没获得学位。所以他大概也不是个很适合学校制度的人。但是他在这段时间里接触到了摄影:一所大学里的一个朋友给了他一台Leica(我怎么没碰见这么有钱的朋友?)。在这台Leica之前,他还得到了一台佳能的RF。

1933年,Walker Evans
接受了自己第一个拍摄任务:去古巴拍摄当时的动荡局势。1935年,他受了RA(Resettlement
Administration)和FSA(Farm Secuirty
Administration)的委托,开始在美国南部的一些农业州记录和搜集当时农村的情况。也许大家都知道:当时的美国是处在大萧条的最低谷。尤其是当时美国还比较落后和闭塞的南部。看过描述当时情形的电影的人应该都印象很深。那是一个生存下来就已经是生活的最高目标的时候。在1936年的夏天,他和作家James
Agee接受《财富》杂志的任务,去阿拉巴马州记录三户雇农的生活。虽然这个故事最后财富没发表,但他们在1941年把这些文章和照片另出了一本书:Let
Us Now Praise Famous Men。这本书在美国新闻报道史上也是很有影响的一本书。

摄/一一

Eggleston在59年看到了Cartier-Bresson和Walker
Evans的书,这让他开始了艺术摄影家的生涯。刚开始他是拍摄黑白照片的,不过没拍出多少名堂。直到65年,他才开始接触彩色胶片。一开始是彩色负片,后来是透明胶片,再后来是染料转印(我也不知道那都是啥)。他在67年才第一次去了纽约,见到了Garry
Winogrand、Lee Friedlander和Diane
Arbus。这是他第一次接触比较出色的同行。他之后和这些人都成了朋友。69年,他第一次见到了John
Szarkowski,当时的MOMA摄影部门主任。Szarkowski对Eggleston的照片感到非常惊讶,于是就说服了MOMA,买下了一张Eggleston的照片。

1938年,MOMA为Walker
Evans举办了一次个人影展。这也是MOMA第一次举办个展。也是在1938年,Walker
Evans在纽约拍摄了一些照片。

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74年算是他获得转折的一年。他出版了第一本个人影集:14
Photographs。里面都是染料转印的照片。他那年还获得了Guggenheim奖金,并且在哈佛大学获得了讲师的位置。76年,他在MOMA举办了个人影展,这是MOMA第一次举办彩色照片的个展。同年,他受滚石杂志的委托,去佐治亚拍摄总统选举。在那之后,他一直在不紧不慢的出版影集和办个展。进入90年代之后,他的创作似乎慢下来了。92年他还来过一次中国,在北京拍了一些照片。00年之后,他就在世界各地旅行拍摄。03年还去法国见到了Cartier-Bresson。

Walker
Evans不仅是个摄影家,还是个很不错的写手。1945年,他成为了Time杂志的一名全职作者。他之后还做了财富的编辑。1965年,他从这些位置退下来,进入耶鲁大学,作为耶鲁艺术学院的摄影专业教授一直工作到他1975年去世。

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William
Eggleston拍照片的最大特点是:他什么都拍。真的是什么都拍。广告牌、污水坑、废轮胎、垃圾堆、自家的冰箱。他把自己的这种风格称为“民主”。就是他把所有东西公平看待,并不因为什么东西漂亮就多拍,什么东西不漂亮就少拍或不拍。他拍的照片很少有人或者明确的意义。他的照片还有个很大的特点:色彩。你甚至可以说:他拍的不是东西,而是颜色。在他的照片里,中心其实不是对象而是色彩。当然你也可以觉得,他拍的东西其实是有讲究的。因为他的照片里充满了一种神秘的气息。虽然他拍的都是日常生活中的东西,但并不是给人彻底的亲切感,而是有一种似乎看到另外一个世界的情景的疏离感和离奇感。你甚至感觉照片里的地方一定马上要发生什么,但你不知道会发生什么。有人评价说,他的照片里有一种“深藏的危险”。

Walker
Evans最著名的作品,都是他给RA和FSA拍摄的大萧条时期的美国南部农村的照片。在这些照片里,你看不到过去在新闻摄影或艺术摄影里常见到的视觉冲击力。也没有什么光影的魔法和构图的奇妙。他的照片初看上去,让人感到惊人的平淡。平淡到让人觉得:他拍这些干嘛?为了明白他的照片或者整个西方现代艺术,我觉得理解过去是非常重要的。我们都是我们的长辈的孩子。现代艺术也是经典艺术的孩子。所以我建议大家去看看我之前写的这个系列的帖子。

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我个人觉得,Eggleston最大的贡献就是他对彩色摄影的贡献。在他之前的艺术摄影家,看到的世界是黑白的。典型的代表是Walker
Evans,他用普遍的灰色曝光来表现美国南部的贫瘠和绝望。但Eggleston是在用颜色来看这个世界。在他的照片里,你看到的是蓝天、绿树、黄土、白色的房子、绿色的柱子和红色的天花板。照片过去和绘画最大的一点不同:黑白和彩色的区别,开始消失了。从前只有灰色,暗的灰色和亮的灰色有不同的涵义。现在有无数种颜色和涵义。红色的热情,蓝色的冷静,绿色的舒适和黄色的紧张。你甚至可以说:彩色摄影不仅发明了颜色,它甚至发明了黑白灰。所谓“蝉噪林愈静,鸟鸣山更幽
”。

Walker
Evans的风格是一种平淡而不无聊的风格。对他的作品可以有许多解读:比如你可以认为是他对大萧条时期的美国西部的理解:“平淡而灰色”;你也可以认为他认为生活本身的美就是存在于它的平淡之中;你还可以认为他不希望把自己的眼光或者感受过多的添加入照片里,保持一种客观真实。其实这也是很多现代艺术的特点:在它们变得越来越隐晦和深奥的同时,它们也变得越来越富于多重涵义,能进行许多截然不同的解读。从这个角度上看,现代艺术是一种更少关于艺术家,更多关于观众的艺术。你看到的是你自己。

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有个关于Eggleston有趣的东西:别人问他“为什么要拍这个”,“这照片里说了什么”,“你的风格是什么”的时候,Eggleston最经常的回答就是:“不知道。”他对他自己的照片似乎是一问三不知的状态。也许在他拍照的时候,他真的已经被“摄神”附体了吧。

仅就Walker
Evans来说,我觉得我看到的是一种平淡的,但优雅的,像诗一样的美感。它并不试图告诉你什么事情,但你毫无疑问可以读到很多东西。这有点像《诗经》给人的感觉:简单的同时透出美来。其实这种风格在Eugene
Atget的照片里就可以发现。但在Walker
Evans之前,基本是没有多少人喜欢,甚至没多少人知道的。而在Walker
Evans之后,这种风格迅速占据了西方艺术摄影的重要位置。看之后的Robert
Frank,Robert
Adams,甚至德国的Bechers夫妇,都是这种风格的代表人物。而同时另一风格,即那种起源于Lartigue或Capa的那种瞬间的、动态的抓拍风格的摄影也在战后开始发扬光大。可以说,战后的西方摄影就是这两种风格的对立、起伏和融合的过程。

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Walkers
Evans常用的是8×10的大画幅相机。他是一个很不喜欢暗房工作的摄影家。这点和Bresson差不多。他的照片通常都是从人眼高度平视,然后横平竖直的。他的照片还有个特点:曝光普遍偏灰。也就是对比不大。其次,他的照片似乎在刻意的避免“故事性”。比如他拍的街景照片通常没有人,就算有人,也不是处在画面的重要地位。此外还有一点好玩的地方:他很喜欢拍摄有文字的照片。广告牌、招牌、路牌之类。他很善于使用文字来作为图片的构成部分。其实这里有个小地方:在战后的摄影家,纯粹是只受过中等教育,后来做学徒学会摄影,对艺术基本无师自通的人少了。而像Walker
Evans这样的有很丰富的知识和对艺术文学深厚理解的人多了。这点造就了一些更加复杂的摄影作品和更加知识分子化的摄影家。

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